В обновленном пространстве Мультимедиа Арт Музея на Остоженке представлены яркие уникальные экспозиции, которые еще можно успеть посетить до 25 января. Расскажем подробнее о некоторых из них.
Алексей Веселовский «Река времени»
Художник Алексей Веселовский в 1989 году окончил Художественное училище 1905 года, в 1999 году – Институт им. Сурикова. В 1992 – 1993 годах обучался в ведущей мастерской печатной графики Tamarind Institute в США. Алексей Веселовский – основатель лучшей в России лаборатории и галереи экспериментальной печати ПиранезиLAB.
Первый фотоаппарат шестилетнему Алексею подарил его дедушка – физик и страстный фотолюбитель Всеволод Замков, сын великого скульптора Веры Мухиной и выдающегося врача и ученого Алексея Замкова. С детства Веселовский много фотографировал (в выставку включен его снимок, сделанный в семилетнем возрасте, на котором он запечатлел своего друга). На протяжении последних нескольких лет Веселовский снимал окрестности реки Вори неподалеку от знаменитой усадьбы Абрамцево. В этих местах – в поселке художников Ново-Абрамцево – находится его семейная дача, полученная Верой Мухиной еще в начале 1930-х годов. Здесь Алексей проводил каждое лето, когда был ребенком, здесь живет и сегодня.
В 2024 году во время подготовки выставки к 135-летию Веры Мухиной Веселовский разбирал семейный архив. Его дед Всеволод Замков оставил множество фотографий работ Мухиной, но на одной из его пленок нашлись и семейные съемки, сделанные на даче летом 1937 года. На снимках запечатлены Вера Мухина, Алексей Замков, а также их близкие друзья, среди которых знаменитый модельер Надежда Ламанова, много работавшая с Мухиной. Эта находка стала для Алексея Веселовского импульсом к созданию нового проекта «Река времени», в котором художник объединил свои фотографии пейзажей реки Вори со снимками дедушки.
«Река» в названии выставки отсылает одновременно и к конкретному топониму, и к архетипическому символу. Согласно древнегреческой мифологии рядом с Летой, рекой забвения, протекала Мнемозина — река памяти, прародительница девяти муз. По словам Веселовского, его проект — это «попытка удержать мгновение между забвением и памятью», способ понять прошлое и настоящее, разобраться с собой и своим местом во времени.
Представленные на выставке фотографии рассказывают о памяти семьи и памяти места. Гул прошедшего времени эхом отражается в современных снимках Веселовского. Снимая пейзажи, он старался запечатлеть не только настоящее, но и прошлое. «На этих берегах я вижу не только воду, траву или туман, но и следы, оставленные поколениями: тени и фигуры, которые продолжают жить в пространстве», — говорит автор. В узнаваемых и одновременно фантомных пейзажах переплетаются его личная и культурная память, истончаются границы между документальным и художественным.
Изображения на отпечатках Алексея Веселовского слегка размыты, окутаны дымкой. Этот эффект ускользающих, но не проходящих бесследно воспоминаний художник создает с помощью гумбихроматной печати – одной из самых ранних фотографических техник. Чтобы проявить изображение, к фотобумаге, покрытой специальным светочувствительным раствором с содержанием пигмента, прикладывают негатив. Сквозь него проходит свет, и смесь затвердевает пропорционально полученному освещению. Затем отпечаток промывают, удаляя незастывшие частицы пигмента. Медленный, медитативный, почти алхимический процесс, как правило, подразумевает печать в несколько слоев для большей проработки полутонов и теней.
Гумбихроматная печать – очень пластичная техника, позволяющая художнику вмешиваться в ткань изображения на всех этапах создания фотографии. Каждый отпечаток уникален. Он хранит следы физического присутствия автора: карандашные штрихи, мазки кисти, отпечатки пальцев. «Фотография перестает быть только документом – она превращается в след существования, в память о прикосновении», – подчеркивает Веселовский.
АНЯ ЖЁЛУДЬ. «Вдох выдох»
Без произведений Ани Жёлудь, одной из самых ярких художниц российской арт- сцены последних 20 лет, трудно представить отечественное искусство первой четверти XXI века. Уже в 26 лет, в 2007 году, она была номинирована на государственную премию в области современного искусства «Инновация», в 2008 году – на Премию Кандинского. Первая персональная музейная выставка Жёлудь прошла в 2009 году в Государственном Русском музее. В том же году она стала одним из немногих российских художников-участников основного проекта Венецианской биеннале современного искусства. Ее работы находятся в собрании ведущих музеев России.
Аня Жёлудь ушла из жизни 4 июня 2025 года в возрасте 43 лет, оставив огромное художественное наследие, создав свой неповторимый авторский стиль, что удается только очень немногим и очень большим художникам. Ее живопись и ее металлические скульптуры всегда узнаваемы с первого взгляда. Она визуализировала контуры окружающего нас предметного и природного мира, часто используя неожиданный и, казалось бы, совсем не «женский» материал — металлические прутья. Создавая скелеты окружающих предметов: стола, стульев, вешалки, рояля, она проявляла суть, душу того, что изображала — в ее объектах пустота говорила больше, чем контуры. С помощью своих брутальных железных прутьев Жёлудь создавала метафору тех невидимых связей, которые окутывают наш мир и всех людей. Именно этот проект, «Коммуникации», был представлен на 53-ей Венецианской биеннале. К теме коммуникаций Аня жёлудь вернулась незадолго до своего ухода из жизни: в 2025 году в PA Gallery открылась ее выставка «Абзац» о разрыве связей.
Важнейшая часть творчества Ани Жёлудь – ее маленькие «картинки», где на сером фоне из белого проступают лаконичные слова, написанные детским почерком: «вход», «выход», «вдох», «выдох»... Эти текстовые работы Жёлудь – живой дневник, очень искренний, пронзительный. Гибкой проволочной прописью она выводит короткие экзистенциальные фразы на грани «бытовухи» и бытия: «кран не поменяла», «холод страх», «все делится на живое и мертвое», «воды принести сама не могу» – живопись дребезжит жестью. Работы Жёлудь биографичны, фразы и образы вырваны из контекста жизни художницы, но они универсальны и отзываются в душе каждого.
Текстуальные картины принадлежат сериям «ПОЛ БЕДЫ, или Иллюзия быта» и «После зимы». Серийность картин для нее принципиальна: акт живописания она часто превращала в акцию, ей была важна процессуальность создания огромного количества картин одного типа. Подобные серии становились поводом к созданию так называемых «акций», во время которых художница или продавала за бесценок, или раздаривала свои произведения. Одна из этих акций называлась «Отдам в хорошие руки» — так обычно говорят о любимых домашних питомцах, с которыми расстаются вынужденно. Благодаря таким акциям работы Ани Жёлудь появились у большого количества людей, ставших сопричастными ее искусству.
Маниакальное повторение одних и тех же образов, будь то сорок один раз нарисованный бидон или шестьдесят раз запечатленный чайник, становилось для художницы поводом к изучению самого процесса рисования. Аня Жёлудь скрупулезно описывала свои ощущения в дневниках и записках. Выдержки из ее текстов сопровождают экспозицию.
Выставка Ани Жёлудь в МАММ – это своеобразный конспект творчества художницы, не претендующий на полноту, но включающий большинство ее этапных, концептуально значимых работ.
«Фундаментальный лексикон. Современное российское искусство из собрания Фонда Синара»
Эта выставка продолжает многолетнюю стратегическую программу музея «Частные коллекции в МАММ». Фонд Синара был основан в 2022 году. Сегодня он управляет собранием из более чем 2 000 произведений, представляющих различные периоды истории отечественного искусства с конца XIX века. В коллекции Фонда Синара также находятся знаковые работы классиков российского современного искусства – именно эти произведения показаны на выставке в МАММ.
Название выставки отсылает к работе Гриши Брускина «Фундаментальный лексикон» (1986). В 1988 году она участвовала в легендарном аукционе «Сотбис» в Москве, который стал поворотным событием в художественной жизни СССР и открыл миру современное русское искусство, долгое время находившееся за железным занавесом. Картина Брускина, представляющая собой визуальный каталог знаков и символов советской эпохи, была продана за рекордную сумму и сразу же обрела статус культового произведения.
Экспозиция охватывает период с 1950-х по 2020-е годы и объединяет художников, определивших развитие современного отечественного искусства. Среди них – некогда представители неофициальной культуры, а сегодня признанные классики российского и мирового искусства
На выставке также показаны произведения художников следующего поколения, чье творчество сформировалось накануне и во время Перестройки, прежде всего – в легендарном сквоте на Фурманном переулке. Это три участника знаменитой группы «Мухоморы» – Константин Звездочетов, Сергей и Владимир Мироненко, – а также Сергей Волков. Именно их творчество во многом было стилеобразующим для московской арт-сцены конца 1980-х – 1990-х годов.
Признанным лидером ленинградской художественной жизни с 1980-х до 2000-х годов был Тимур Новиков. В собрании Фонда есть как его живопись, так и знаменитые аппликации на ткани и шелкографии. Также в экспозиции представлены работы художников, формирующих художественный ландшафт последних десятилетий, – Павла Пепперштейна, Ирины Кориной, Александры Паперно и др.
Алексей Веселовский «Река времени»
Художник Алексей Веселовский в 1989 году окончил Художественное училище 1905 года, в 1999 году – Институт им. Сурикова. В 1992 – 1993 годах обучался в ведущей мастерской печатной графики Tamarind Institute в США. Алексей Веселовский – основатель лучшей в России лаборатории и галереи экспериментальной печати ПиранезиLAB. Первый фотоаппарат шестилетнему Алексею подарил его дедушка – физик и страстный фотолюбитель Всеволод Замков, сын великого скульптора Веры Мухиной и выдающегося врача и ученого Алексея Замкова. С детства Веселовский много фотографировал (в выставку включен его снимок, сделанный в семилетнем возрасте, на котором он запечатлел своего друга). На протяжении последних нескольких лет Веселовский снимал окрестности реки Вори неподалеку от знаменитой усадьбы Абрамцево. В этих местах – в поселке художников Ново-Абрамцево – находится его семейная дача, полученная Верой Мухиной еще в начале 1930-х годов. Здесь Алексей проводил каждое лето, когда был ребенком, здесь живет и сегодня. В 2024 году во время подготовки выставки к 135-летию Веры Мухиной Веселовский разбирал семейный архив. Его дед Всеволод Замков оставил множество фотографий работ Мухиной, но на одной из его пленок нашлись и семейные съемки, сделанные на даче летом 1937 года. На снимках запечатлены Вера Мухина, Алексей Замков, а также их близкие друзья, среди которых знаменитый модельер Надежда Ламанова, много работавшая с Мухиной. Эта находка стала для Алексея Веселовского импульсом к созданию нового проекта «Река времени», в котором художник объединил свои фотографии пейзажей реки Вори со снимками дедушки.
«Река» в названии выставки отсылает одновременно и к конкретному топониму, и к архетипическому символу. Согласно древнегреческой мифологии рядом с Летой, рекой забвения, протекала Мнемозина — река памяти, прародительница девяти муз. По словам Веселовского, его проект — это «попытка удержать мгновение между забвением и памятью», способ понять прошлое и настоящее, разобраться с собой и своим местом во времени.
Представленные на выставке фотографии рассказывают о памяти семьи и памяти места. Гул прошедшего времени эхом отражается в современных снимках Веселовского. Снимая пейзажи, он старался запечатлеть не только настоящее, но и прошлое. «На этих берегах я вижу не только воду, траву или туман, но и следы, оставленные поколениями: тени и фигуры, которые продолжают жить в пространстве», — говорит автор. В узнаваемых и одновременно фантомных пейзажах переплетаются его личная и культурная память, истончаются границы между документальным и художественным.
Изображения на отпечатках Алексея Веселовского слегка размыты, окутаны дымкой. Этот эффект ускользающих, но не проходящих бесследно воспоминаний художник создает с помощью гумбихроматной печати – одной из самых ранних фотографических техник. Чтобы проявить изображение, к фотобумаге, покрытой специальным светочувствительным раствором с содержанием пигмента, прикладывают негатив. Сквозь него проходит свет, и смесь затвердевает пропорционально полученному освещению. Затем отпечаток промывают, удаляя незастывшие частицы пигмента. Медленный, медитативный, почти алхимический процесс, как правило, подразумевает печать в несколько слоев для большей проработки полутонов и теней.
Гумбихроматная печать – очень пластичная техника, позволяющая художнику вмешиваться в ткань изображения на всех этапах создания фотографии. Каждый отпечаток уникален. Он хранит следы физического присутствия автора: карандашные штрихи, мазки кисти, отпечатки пальцев. «Фотография перестает быть только документом – она превращается в след существования, в память о прикосновении», – подчеркивает Веселовский.
АНЯ ЖЁЛУДЬ. «Вдох выдох»
Без произведений Ани Жёлудь, одной из самых ярких художниц российской арт- сцены последних 20 лет, трудно представить отечественное искусство первой четверти XXI века. Уже в 26 лет, в 2007 году, она была номинирована на государственную премию в области современного искусства «Инновация», в 2008 году – на Премию Кандинского. Первая персональная музейная выставка Жёлудь прошла в 2009 году в Государственном Русском музее. В том же году она стала одним из немногих российских художников-участников основного проекта Венецианской биеннале современного искусства. Ее работы находятся в собрании ведущих музеев России. Аня Жёлудь ушла из жизни 4 июня 2025 года в возрасте 43 лет, оставив огромное художественное наследие, создав свой неповторимый авторский стиль, что удается только очень немногим и очень большим художникам. Ее живопись и ее металлические скульптуры всегда узнаваемы с первого взгляда. Она визуализировала контуры окружающего нас предметного и природного мира, часто используя неожиданный и, казалось бы, совсем не «женский» материал — металлические прутья. Создавая скелеты окружающих предметов: стола, стульев, вешалки, рояля, она проявляла суть, душу того, что изображала — в ее объектах пустота говорила больше, чем контуры. С помощью своих брутальных железных прутьев Жёлудь создавала метафору тех невидимых связей, которые окутывают наш мир и всех людей. Именно этот проект, «Коммуникации», был представлен на 53-ей Венецианской биеннале. К теме коммуникаций Аня жёлудь вернулась незадолго до своего ухода из жизни: в 2025 году в PA Gallery открылась ее выставка «Абзац» о разрыве связей.
Важнейшая часть творчества Ани Жёлудь – ее маленькие «картинки», где на сером фоне из белого проступают лаконичные слова, написанные детским почерком: «вход», «выход», «вдох», «выдох»... Эти текстовые работы Жёлудь – живой дневник, очень искренний, пронзительный. Гибкой проволочной прописью она выводит короткие экзистенциальные фразы на грани «бытовухи» и бытия: «кран не поменяла», «холод страх», «все делится на живое и мертвое», «воды принести сама не могу» – живопись дребезжит жестью. Работы Жёлудь биографичны, фразы и образы вырваны из контекста жизни художницы, но они универсальны и отзываются в душе каждого.
Текстуальные картины принадлежат сериям «ПОЛ БЕДЫ, или Иллюзия быта» и «После зимы». Серийность картин для нее принципиальна: акт живописания она часто превращала в акцию, ей была важна процессуальность создания огромного количества картин одного типа. Подобные серии становились поводом к созданию так называемых «акций», во время которых художница или продавала за бесценок, или раздаривала свои произведения. Одна из этих акций называлась «Отдам в хорошие руки» — так обычно говорят о любимых домашних питомцах, с которыми расстаются вынужденно. Благодаря таким акциям работы Ани Жёлудь появились у большого количества людей, ставших сопричастными ее искусству.
Маниакальное повторение одних и тех же образов, будь то сорок один раз нарисованный бидон или шестьдесят раз запечатленный чайник, становилось для художницы поводом к изучению самого процесса рисования. Аня Жёлудь скрупулезно описывала свои ощущения в дневниках и записках. Выдержки из ее текстов сопровождают экспозицию.
Выставка Ани Жёлудь в МАММ – это своеобразный конспект творчества художницы, не претендующий на полноту, но включающий большинство ее этапных, концептуально значимых работ.
«Фундаментальный лексикон. Современное российское искусство из собрания Фонда Синара»
Эта выставка продолжает многолетнюю стратегическую программу музея «Частные коллекции в МАММ». Фонд Синара был основан в 2022 году. Сегодня он управляет собранием из более чем 2 000 произведений, представляющих различные периоды истории отечественного искусства с конца XIX века. В коллекции Фонда Синара также находятся знаковые работы классиков российского современного искусства – именно эти произведения показаны на выставке в МАММ.
Название выставки отсылает к работе Гриши Брускина «Фундаментальный лексикон» (1986). В 1988 году она участвовала в легендарном аукционе «Сотбис» в Москве, который стал поворотным событием в художественной жизни СССР и открыл миру современное русское искусство, долгое время находившееся за железным занавесом. Картина Брускина, представляющая собой визуальный каталог знаков и символов советской эпохи, была продана за рекордную сумму и сразу же обрела статус культового произведения.
Работы, представленные на выставке, отражают основные, «фундаментальные» художественные стратегии и направления современного отечественного искусства.
Экспозиция охватывает период с 1950-х по 2020-е годы и объединяет художников, определивших развитие современного отечественного искусства. Среди них – некогда представители неофициальной культуры, а сегодня признанные классики российского и мирового искусства
Илья Кабаков, Виктор Пивоваров, Эрик Булатов, Олег Васильев, Владимир Янкилевский, Леонид Соков, Михаил Рогинский и др.
На выставке также показаны произведения художников следующего поколения, чье творчество сформировалось накануне и во время Перестройки, прежде всего – в легендарном сквоте на Фурманном переулке. Это три участника знаменитой группы «Мухоморы» – Константин Звездочетов, Сергей и Владимир Мироненко, – а также Сергей Волков. Именно их творчество во многом было стилеобразующим для московской арт-сцены конца 1980-х – 1990-х годов.
Признанным лидером ленинградской художественной жизни с 1980-х до 2000-х годов был Тимур Новиков. В собрании Фонда есть как его живопись, так и знаменитые аппликации на ткани и шелкографии. Также в экспозиции представлены работы художников, формирующих художественный ландшафт последних десятилетий, – Павла Пепперштейна, Ирины Кориной, Александры Паперно и др.
